О Леонардо да Винчи.
Прочитала в журнале «Наука в фокусе», что в Лондоне, в Букингемском дворце, с 4 мая открыта крупнейшая выставка, посвященная анатомическим исследованиям Леонардо да Винчи. Этот величайший гений-живописец был первопроходцем в изучении человеческой анатомии. И если бы он опубликовал свои исследования, то это, без сомнения, изменило бы представления ХVI в. о работе человеческого тела. И тогда, возможно, было бы нам всем счастье даже в далекой от Англии России. Но после смерти художника в 1519 г. его рисунки остались лежать беспорядочной грудой — они были потеряны для мира на 400 лет. И на данный момент 600 рисунков, которыми владеет британская королевская семья, выставлена в Королевской галерее. И как говорят, чего там только нет. Даже рисунок «Совокупление» - анатомическое изображение полового акта, хоть и ошибочное. (Точных изображений нам пришлось ждать до 1999 г., когда в Гронингенском университетском госпитале в Нидерландах было записано, как 8 пар занимаются сексом в аппарате для магнитно-резонансной томографии. Нда, чего ученые только не придумают.)

Но я это не к тому, чтобы мы все срочно неслись в Англии «Совокупление» смотреть. Совсем наоборот: в Москве, в Ветошном переулке, что напротив ГУМа, сейчас тоже проходит выставка о Леонардо - «Гений да Винчи». И может быть она даже поинтереснее будет.

Выставочный проект «Гений да Винчи» демонстрирует весь диапазон невероятной одаренности Леонардо да Винчи как изобретателя, художника, анатома, скульптора, инженера, музыканта и архитектора. На создание выставки было затрачено более 10 лет, и теперь здесь, в натуральную величину, можно увидеть большое количество изобретенных им механизмов, выполненных согласно личным дневникам да Винчи, а также репродукции наиболее известных картин мастера периода Ренессанса, включая«Мону Лизу», «Мадонну в скалах» и «Благовещение», «Даму с горностаем», поразительные анатомические зарисовки, наброски к «Битве при Ангьяри» и трехмерное интерактивное исполнение «Тайной вечери», «Витрувианского человека» и скульптуры «Лошади Сфорца», которые дают возможность совсем по-иному воспринять эти знаменитые работы.

Эти объекты, выставленные на площади в 1400 кв. м, без сомнения, приведут в восторг посетителей всех возрастов. Среди многочисленных изобретений, обнаруженных в записных книжках да Винчи, на выставке воплощены его идеи планера, парашюта, предшественника современного вертолета, велосипеда, прототипа современного танка (см. фото), автомобиля, подводной лодки, подшипника и зубчатой передачи и целого ряда других удивительных творений, намного опередивших свое время.

Цена билетов 400 руб. На родителей с детьми дается скидка.

Продолжая говорить о Л. да Винчи: «Джоконда» (часть 1).
Рассказ об этой картине - лучший пример того, как произведение искусства становится суперзвездой. А между тем, на этом полотне, которое знает все человечество, изображена не очень молодая, не очень красивая, скромно одетая женщина. Почему же «Мона Лиза» потеснила на пьедестале шедевров всех остальных конкурентов?

1. Конечно, в основании лежит гений создателя: грубую пачкотню не раскрутит никакой пиар. Первыми поклонниками картины были художники. Именно они первыми поняли, что картина новаторская: все достижения эпохи Возрождения собраны в ней воедино. Здесь и сочетание пейзажа с портретом (до Леонардо этого не делали), и закрученая поза-contrapposto женщины, и ее взгляд прямо на зрителя, и пирамидальная композиция. И, конечно же, техника «сфумато» (по-итальянски «исчезающий, как дым»), когда художник добивается тающего очертания предметов. И «Мону Лизу» стали копировать, творчески, конечно. Рафаэль, так тот просто «заболел» картиной: черты и приемы «Джоконды» можно наблюдать во многих его рисунках и картинах.

2. Далее «Джоконде» повезло с коллекционерами: она всегда оказывалась в нужное время в нужном месте. Сначала ее купил Франциск I, у которого она висела в самом любимом помещении — бане замка Фонтенбло, где он и послов принимал и с женщинами устраивал свидания. Далее — Лувр, Версаль и Тюильри, где первый французский консул Республики Наполеон Бонапарт украсил ею свою спальню. Консул ничего не понимал в живописи, но он уважал Леонардо за технический гений. Став императором, Наполеон поместил картину в музей в Лувре, который назвал именем себя.

3. Но в Лувре были и другие шедевры. И решающую роль в подъеме «Джоконды» на очередную ступень славы сыграли писатели-романтики — они нашли в ней идеал роковой женщины. Картина вдохновила Оскара Уайльда на создание «Портрета Дориана Грея», а поэт Теофиль Готье сделал главное — в 1855 г. он придумал «непостижимую улыбку Джоконды». До него этой улыбки никто не видел. После Готье загадочная улыбка превратилась для публики в главное достоинство картины. Герцогиня Кастильонская часами тренировалась перед зеркалом, чтобы улыбаться как «Мона Лиза». А главное — великий фантазер Жюль Верн придумал Джоконде легенду о любви с первого взгляда между художником и его моделью. И не важно, что власти Флоренции преследовали да Винчи за гомосексуализм — литературный образ-клише пошел гулять по свету. Но пока только в среде читающей публики.

4. А тут и фотография подоспела: картину увидели те, кто никогда не были в Лувре. Джентльмены Викторианской эпохи держали картину на письменном столе, а слова Вальтера Скотта «она, которая старше скал...» стали их паролем. Тему роковой женщины в начале ХХ в. подхватил русский писатель и философ Дмитрий Мережковский. Его книга о Леонардо «Воскресшие боги» стала европейским бестселлером. Под влиянием книги Зигмунд Фрейд написал эссе о гомосексуализме да Винчи. После этого пошли разговоры, что на портрете изображен переодетый в женское платье любовник Леонардо. Среди интеллектуалов разразился скандал. (Продолжение следует)

Продолжая говорить о Л. да Винчи: «Джоконда» (часть 2).
5. А тут о «Джоконде» узнала толпа. 21 августа 1911 г. мир был потрясен известием об исчезновении «Моны Лизы». Назревала мировая война, и в этой накаленной атмосфере кража шедевра была воспринята как национальное оскорбление. Французские газеты обвинили во всем германского кайзера Вильгельма II. Германские газеты писали в ответ, что французы сами украли у себя картину, чтобы спровоцировать войну. Так кража картины была раскручена газетами как мировая сенсация «Кто украл «Мону Лизу»?». Когда через 2 года картину нашли, выяснилось, что грабитель Винченцо Перуджа просто снял со стены шедевр и унес под своим рабочим халатом в день, когда навещал своих друзей-рабочих в Лувре. Забавная деталь: он колебался, что взять. И хотел уже украсть «Венеру и Марса» Мантеньи, но вспомнил, что посетители, стоя перед «Джокондой», шептали слова из эссе Патера, и решил, что это более стоящая штука. Перуджа получил всего год тюрьмы, а картину перед отправкой во Францию показали на выставке во Флоренции, Риме и Милане. И после кражи картина превратилась в символ изобразительного искусства вообще. Кухарки и прачки наклеивали вырезки из газет на стены своих комнат.

6. Опять художники постарались: Каземир Малевич создает коллаж, где дважды перечеркивает репродукцию картины крест-накрест и вверху пишет «Частичное затмение». Марсель Дюшан пририсовывает «Джоконде» усы — публика оскорблена до глубины души, а картина прославилась еще больше.

7. С 1914 г. картина не покидала Францию, но в 1962 г. генерал де Голль отправил ее в «дипломатическое путешествие» в Америку. В Вашингтоне и Нью-Йорке картину за два месяца посмотрело более полутора миллионов человек, многие из которых пришли в музей первый раз в жизни. В 1974 г. картина поехала в Азию. И самурайская дисциплина установила рекорд: всего за месяц картину увидело больше людей, чем в США за два. На обратной дороге «Джоконда» заглянула в Москву, где ее в день смотрели по 4600 человек со скоростью по 9 сек. на человека.

В век глобализации «Мона Лиза» стала глобальной ценностью, на нее работают туризм, реклама, поп-культура: о ней поют песни, в виде нее изображают знаменитостей от Сталина до Моники Левински. Получается, что в конце ХХ века она живет своей жизнью. (По материалам статьи журнала «Артхроника» 3/2007)

Всегда читаю ваши сообщения на форуме , и всегда так интересно.
Спасибо Вам !

Отель Rosewood Hotel Georgia и кристаллы Сваровски.
В Ванкувере после реконструкции снова открыл свои двери известный отель Rosewood Hotel Georgia. Первоначально отель был открыт в 1927 году. За свою историю он принял множество известных гостей, включая Кэтрин Хэпберн, Фрэнка Синатру и Элвиса Пресли. Отель находится в одном из самых престижных районов Ванкувера, где расположены дорогие бутики и рестораны. В отеле можно увидеть около 200 произведений искусства, размещенных по всему зданию и самые большие люстры в Северной Америке, каждая из которых поражает блеском 24 тысяч кристаллов Swarovski.

Сообщения, подобные этому, где упоминаются кристаллы Swarovski периодически появляются везде, где пишется о роскоши современного стиля Гламур. А то, что наш теперешний стиль будет называться именно «Гламур» лично у меня не вызывает никакого сомнения. А как ему еще называться? Хорошее такое слово, появившееся у нас в начале 1990-х годов. Надо еще немного подождать, и последующие историки искусства именно так и назовут наш стиль. Ведь современники Модерна не знали, что живут в эпоху Модерна — просто появилось новое тогда модное словечко, которое означало «современный». А вот название стиля 1920-1940 гг. «Ар деко» родилось гораздо позднее, аж в 1966 г.. Но я сейчас не об этом — это так, к слову. А я сейчас про кристаллы Сваровски.

А началось все с того, когда на смену бычьим пузырям и слюде в окошках появилось стекло и прочно обосновалось в наших домах. Потому что знаменитые кристаллы — это стекло и есть. Только не простое, конечно, а та его разновидность, которую принято называть хрусталем. Хрусталь впервые получили в XVII в. в Англии. Для этого в стеклянную массу стали добавлять свинец. От обычного стекла хрусталь отличается более сильным блеском и высоким коэффициентом преломления света, он прочен и поддается огранке.

Вот этими свойствами хрусталя и воспользовался Даниэль Сваровски, когда в 1892 г. изобрел автоматическую ограночную машину. В 1895 году им была основана компания Swarovski, которая и сегодня производит из оптического хрусталя скульптуры и миниатюры, украшения, бижутерию, одежду, люстры и другие предметы интерьера. И конечно то, без чего не обходится сегодня ни один модный интерьер - кристаллы (стразы) Swarovski. И эти рукотворные алмазы, благодаря безупречной огранке, чистоте, идеальной форме и уникальному цвету, вдохновляют современных дизайнеров на создание ярких и стильных объектов. (фото 1)

Как я узнала про Елену Теплицкую.
Вчера была на закрытой выставке английского дизайна, но уже в гостинице «Националь». Про саму выставку сейчас говорить не буду — английский дизайн, он и в Африке английский дизайн, ни чего тут не скажешь... Но по какому-то наитию я пошла на семинар для дизайнеров, то ли время было, то ли название привлекло — что-то про цвет. Ну и попала на выступление дизайнера Елены Теплицкой, про которую ничего не знала до сих пор по причине того, что не смотрю TV уже лет 8-10...

Она модельер и декоратор, телеведущая и деятельный участник множества проектов — вы про нее, наверно, все знаете. Яркие волосы, яркие одежды, яркие работы - на нее трудно не обратить внимания и не возможно не запомнить. Ну и сначала она мне тоже понравилась — улыбающаяся, открытая, простая. Эти прелестные ее возгласы: «Дорогие мои!», «Я вас обожаю!», «Я вас всех люблю!» - кому хочешь понравятся. Сижу, улыбаюсь, аплодирую. Только потом чувствую, что меня здесь обманывают. Надувательство какое-то, чувствую.

Может, правда, тема выступления такая мне попалась — всех людей она разделила на 4 цвета: красный (холерики), желтый (сангвиники), синий (флегматики, кажется) и зеленый (кажется, меланхолики, уж не припомню). И вот от этих четырех оттенков и строится вся ее жесткая схема: «синему» надо — то, а вот «зеленому» — это. А я сижу и мне не верится, ну что-то примитив какой-то, а потом какая-то девушка из зала тоже недоуменно говорит: «А если я мультиколор?». (Ничего ей Теплицкая не ответила, видно в ее схему вопрос не укладывался.)

Вот что она говорит в каком-то интервью о своей квартире: «Ванная у меня такая: розово-малиновый пол, зеленые стены, того оттенка молодого яблока, который я люблю. Гостиная: бордового цвета стена и голубой в окружении. Красивое сочетание. И неожиданно розовые шторы. Немножко смешно, но хорошо сочетается. Очень много бирюзового в декоре. В прихожей зеленый шкаф и бордовая стена. Кухня вся зеленая, а стены розовые. На балконе мозаика бирюзового цвета.» (Я представила — и мне стало плохо, ну это же дикость. Такое можно придумать и кричать везде, если хочешь, чтобы тебя заметили и запомнили. И ведь запоминается.)

Сама говорит и сама же себя и хвалит - «красивое сочетание», «хорошо сочетается», как гипнотизирует. А я смотрю на ее ярко-рыжие волосы, на нитку бус ярко-красного цвета и на ярко-красный пояс и мне хочется поменять что-то в композиции — либо волосы на красный, либо пояс и бусы на оранжевый. Ну нельзя два оттенка красного сочетать так близко и так выборочно. Мне весь мой опыт твердит, что это дико и неграмотно — такое сочетание. Можно играть на красных оттенках, но тогда их должно быть очень много и разных, но по чуть-чуть. Тогда говорят в восхищении «буйство красного». А тут пояс и волосы режут глаза. Может, конечно, она волосы вчера покрасила и неудачно. (Фото не делала, то фото, что вы видите — взяла в Интернете)
Ушла удрученная: полтора часа потратила, а нового для профессионализма ничего не узнала, одни лучезарные улыбки и возгласы «дорогие мои». А ведь на семинар собрались одни профессионалы. Не-е, не смотрю я телевизор — и дальше не буду, потому что вкус портит. Говорят нам там всю ерунду, лишь бы весело было и лишь бы реклама шла. Одно слово — шоубизнес.

Дизайнер Вивьен Вествуд.
В защиту Елены Теплицкой на одном форуме мне написали, что она очень интересный человек и что ее любимый дизайнер - Вивьен Вествуд.

Вивьен Вествуд (род. 1941) – всемирно известный британский дизайнер, основательница стиля панк в моде. Авторскими чертами модельера считаются деконструктивизм и асимметрия (внешние швы, «неправильно» застегнутые вещи, задранные юбки, растянутые колени и карманы), а также модифицированные черты исторического костюма — корсеты, кринолины и прочее.

Будущий эпатажный дизайнер, «королева скандала», несколько лет проработала учительницей начальных классов, закончив педагогический колледж в Лондоне. В конце 1960-х гг. Вивьен Вествуд познакомилась со студентом школы искусств Малкольмом Маклареном — будущим вдохновителем стиля панк и продюсером скандально знаменитой группы «Sex Pistols». Благодаря Малкольму Макларену, Вивьен Вествуд начала интересоваться дизайном, и в 1971 году занялась моделированием одежды. Они открыли магазин «Let It Rock» на Кингз Роуд в Челси, где продавали музыкальные диски и одежду. В 1974 г. бутик был переименован в «Sex». “Мы бунтовали против того, что навязывали нашему поколению. В протесте мы искали себя, формировали свое видение мира” - писала Вивьен Вествуд впоследствии. Бутик стал выражением разработанных парой стилей панк и порношик: в нем играла запрещенная музыка, стены были украшены картинками из порножурналов и неприличными надписями, а интерьерными аксессуарами служила атрибутика секс-шопов.

К 25-летию со дня восшествия на престол королевы Елизаветы II Вивьен Вествуд выпустила майку с портретом королевы, на котором ее рот был проткнут английской булавкой. Эпатажный и дерзкий поступок дизайнера шокировал консервативное английское общество, но сделал ее еще популярнее.

С 1989 по 1991 год дизайнер, не имеющая высшего образования, была профессором моды Венской академии прикладного искусства. В 1990 и 1991 гг. Британский совет моды присудил ей звание «Модельер года». В 1992 г. дизайнер стала Почетным членом Королевского общества искусств. В том же году в Букингемском дворце королева Елизавета II вручила Вивьен орден OBE (Орден Британской Империи). Эпатажный дизайнер была одета согласно правилам официальных светских визитов – в шляпу, перчатки и юбку ниже колен, но на выходе из дворца взмахнула подолом, демонстрируя отсутствие нижнего белья.

Вот что ответила Вивьен Вествуд в 2008 г. на вопрос журналиста «Какие из всех событий модной индустрии, случившихся за последние 40 лет, вы считаете наиболее значимыми?»: Панк – больше ничего и говорить не стоит. Я ходила по улицам в резиновых неглиже и в туфлях на шпильке, пока все остальные щеголяли в джинсах и обуви на платформе. Я чувствовала себя настоящей героиней. Я знала, что выгляжу хорошо.

Ну что тут скажешь?

Постельное белье и другие мелочи.
Тем, кому надоело засыпать и просыпаться среди классических розочек, понравятся комплекты постельного белья, выпускаемые под торговой маркой Newtone. Все наборы отличаются оригинальными рисунками, как говорится — на любой вкус. Так, комплект "Кошки" украшен изображением целого семейства пушистых любимцев. (Мне не понравился — слишком мультяшно.) Постельное белье «Come on!» с одноименным лозунгом-призывом, напечатанным крупными буквами, подойдет для тех, кто привык вести энергичный образ жизни. (На фото их не было, но шрифты в интерьере хороши буквально везде — на стене в виде плитки, на чашках и тарелках. Я думаю, что и на кровати — тоже прикольно.)

Мне понравились схематичные силуэты представителей противоположных полов, лежащих на разных половинах кровати - "Мужчина и женщина". (А что — оригинально и свежо... Фото 1)

Другая наша российская фирма исхитрилась пуще: в новую коллекцию торговой марки Primavelle (Примавель) вошли одеяла и подушки Totem. Одеяла украшены уникальными стежками, символизирующими четыре природные стихии: огонь, воду, воздух и землю. Причем выбор постельных принадлежностей зависит от вашего знака зодиака. (Супер!) Например, представителям земной стихии (Тельцам, Девам и Козерогам) стоит обратить внимание на одеяло Totem Land с квадратной стежкой. Коллекция включает также серии Totem Fire, Totem Air и Totem Water - для "огненных", "воздушных" и "водных" знаков соответственно. Чехлы изделий изготовлены из ткани "Биософт" с тиснением и peach-эффектом. Последний появляется благодаря дополнительной обработке, после которой ткань становится нежной, к ней приятно прикасаться. Наполнитель "Экофайбер" не собирает пыль и прекрасно сохраняет форму. Подушки снабжены потайной молнией, помогающей регулировать их высоту. (фото 2)

Я посмотрела, что такое "Экофайбер". Этот синтетический наполнитель представляет собой скрученные пружинистые волокна, между которыми остается пространство, позволяющее одеялу «дышать». Синтетические наполнители антистатичны, безвредны для здоровья и обладают множеством уникальных свойств - гигиеничность, гипоаллергенность и экологичность. Синтетическое одеяло не впитывает запахи и пыль, его можно стирать в стиральной машине, оно быстро сохнет и не деформируется и сохраняет свои великолепные качества и внешний вид в течении многих лет. Не материал — а сказочный герой!

И все-таки самые классные подушки — из материала с эффектом памяти - вязкоэластичной полиуретановой пены высокой плотности. (Еще она называется пена Рефлекс) Она была разработана НАСА в 1970-е гг. и обладает уникальными свойствами: способна реагировать на вес и тепло человеческого тела. Изначально из этого материала делали сиденья космонавтов, чтобы снижать давление при перегрузках. Я себе купила такую в Икее — просто здорово. Она в самом деле жесткая сначала, но потом проминается под изгибами ушей и сидит, т. е. лежит как влитая.

Афростиль (часть 1)
Яркость и необычность искусства Африки, его своеобразная экспрессивность произвели огромное впечатление на европейских художников начала XX в. Значительное влияние африканского искусства испытал немецкий художник-экспрессионист Э. Л. Кирхнер (на первом фото: «Красная башня в Галле»). П. Пикассо «заболел» африканской пластикой в свой кубистский и посткубистский периоды. (На втором фото: «Авиньонские девицы») Даже возникновение кубизма сам Пикассо и многие теоретики искусства связывали с воздействием африканской пластики.

Особый всплеск африканской страсти отмечен был в эпоху ар деко (период между двумя мировыми войнами). В интерьер внедрялись аутентичные статуэтки и ритуальные маски, дизайнеры адаптировали африканские примитивные формы и абстрактные геометрические орнаменты, только отделка была дорогая. Кожа питона, крокодила, ската, акулы и ящерицы; шкуры зебры и леопарда; экзотическое дерево, слоновая кость, панцирь черепахи, перламутр. И золото, много золота. В 1922 г. была открыта гробница Тутанхамона, и золотые мотивы хлынули на европейский континент. Сегодня в мебельных салонах и роскошных европейских домах царят кровати с золотыми изголовьями, обитые кожей массивные столы, комоды из дерева-венге (на фото 3).

Венге обладает интересной особенностью. Уже одним своим присутствием, независимо от дизайна предмета, оно придает интерьеру этнический колорит, а уж если мы дополним обстановку ковром под зебру, то образ получается абсолютно завершенным.

Есть ли жизнь после поломки посудомоечной машины?
У меня на днях сломалась посудомоечная машина. Причем какая-то ерунда: при загрузке очередной посудины в дверце что-то хрустнуло и она перестала закрываться. На семейном совете решено было купить новую — она будет по-современнее в конструкции, да и ремонтировать старую будет не дешево. Но пока я ожидала доставки новой сказочной техники, у меня случилась ломка. Да-да, как у наркоманов.

Мои руки при ручной мойке были все время липкие, посуда, как мне казалась, непростиранная, а эти липкие руки еще и периодически автоматом тянулись открыть дверцу сломанной посудомоечной машины.

А почему я вам все это в таких подробностях описываю? Да потому, что мне периодически встречаются заказчики, которые говорят, что им посудомоечная машина не нужна. И дело тут не в ее цене. У состоятельных заказчиков в ПМ машине тоже надобности нет. Одна банкирша мне сказала, что у них посуду моет домработница. Я спросила: «Своими руками моет?» Она ответила: «Да.» Я спросила: «А потом липким полотенцем вытирает?» Она сказала, что у них полотенца не липкие. Больше я ничего не спрашивала. А между тем ПМ машина второй после холодильника предмет на кухне, который требует обязательного наличия. Даже без плиты можно обойтись, готовя в СВЧ. 

От вместительности посудомоечной машины зависят ее габариты. Самые популярные — шириною 60 см. В этой модели обычно умещается 12-14 комплектов посуды. Для небольшой семьи подойдет узкая машина шириною 45 см, рассчитанная на 8-9 комплектов. И первая, и вторая машина имеет обычную высоту и ставится на уровне рабочей поверхности нижних баз кухонной мебели. Ну и наконец, экономичная разновидность - настольная модель (45?45?55 см), в которую входят четыре комплекта. Ее можно спрятать в навесной шкаф, но чаще такие приборы ставят на стол. Больше всего потребителя в них привлекает невысокая цена. Далее: встраиваемые ПМ машины конечно дороже отдельностоящих, но зато и красивее.

А сейчас я прерываюсь — пойду вытаскивать ослепительно сияющую посуду из новой ПМ машины. Такая радость!

Нина Ивановна , Вы как всегда молодец так подробно описали небходимость в посудомоечной машине ). Так же недавно стала обладательницей ПМ муж подарил на др , счастье это не передать словами посуда стерильная руками так не вымоешь . У нас Бош с дополнительным лотком для ложек и вилок , для нас только 60 см норма в 45 см мне кажеться ничего не поместилось бы .

У меня машина на 45см. Мою посуду практически каждый день. Я пристроилась покупать те таблетки, которые без всяких добавок и которые можно разломить пополам. И представьте, моет так же чисто. А один раз забыла таблетку вытащить из полиэтилена. Посуда помылась так же чисто. (Я посуду сначала на полочки убрала, и только потом не растворенную таблетку увидела на самом дне машины.) И вот теперь я думаю: Если нет разницы - зачем класть таблетку вообще?

Каменная плитка
«Облицовка натуральным камнем в интерьере всегда смотрится гармонично» - пишет журналист в этой «Интерьерной новости». Готова с ним поспорить: Не всегда! Иногда она бывает такая шершавая, что рядом с нею неприятно находиться и боязно прикасаться. Но эти «обои» из гипса мне показались довольно сдержанными. Этот новый вид отделочного материала разработала компания "Маркиз". Это так называемые «каменные обои» - сверхтонкая плитка из гипса, толщина которой не превышает 6-14 мм.

Далее журналист пишет, что «плитка придаст интерьеру изысканный и естественный вид и в то же время зрительно не уменьшит пространство». Вот это уже враки. Не верьте! Ну какой может быть «изысканный вид» у грубого и шершавого каменного скола. Нет, такой камень применяют как раз тогда, когда хотят придать интерьеру эпатажность и авангардистскую остроту. Да и пространство этот материал, конечно, сужает. Потому что все, что выделено какой-то фактурой зрительно стены приближает.

Новинку изготовляют на основе модифицированного гипса и она предназначена для использования внутри помещений с нормальной или повышенной влажностью при температуре до 70 °С. Плитка устойчива к истиранию и допускает влажную уборку. Плитку можно самостоятельно пилить и шлифовать. Малая толщина "каменных обоев" облегчает отделку внешних углов и не требует применения угловых элементов. Размеры плитки - 49x11 см. Только вот цена ее почему-то приближается к цене керамической плитки. Все-таки 500 — 730 руб за кв. м — это многовато для гипса-то. Нет? А в общем вполне интересно.

Ну без таблетки просто на посуде жир может остаться и масло , тут еще очень большую роль играет при какой температуре моете . Я мое на автомате там температура 45-65 машинка сама выбирает с помощью датчиков по чистоте воды . Если мыть при 65 то думаю можно и без таблетки и с половинкой таблетки но 65 это температура при которой образется накипь на нагревателе а 45 думаю нет . Так что тут надо определить что важнее машинка или таблетки , кстати в таблетках есть соль которая препятствует образованию накипи )

Чудодейственные подушки или еще раз о постели.
Пока иностранцы изощряются в высоких технологиях, наши предприниматели из города Иванова трудятся в обратном направлении. Они предлагают нам подушки с наполнением из лузги гречихи.

Подушка с гречишной лузгой легко принимает форму головы, утверждают они. (Еще бы, она же простегана.) Далее они пишут, что создавая правильную поддержку в области шейных позвонков, подушка обеспечивает максимально комфортный и здоровый сон. Поэтому, пишут они, она рекомендуется специалистами для профилактики остеохондроза, болей в области головы, шеи, бессонницы и храпа. (Интересно, может она еще и с простатитом борется? Обычно в такой рекламе пишут и про простатит). Благодаря теплоизоляционным свойствам гречишной лузги подушка поддерживает прохладу летом и тепло зимой. Кроме того, присутствует эффект точечного массажа. (Все ясно – она еще и колется.) Но стоит зато всего 835 руб.

Другая новинка той же фирмы Limacon - одеяла и подушки, чехлы которых выполнены из 100% хлопчатобумажного поплина, простеганного с морскими водорослями, обладают оздоровляющими свойствами. Водные растения препятствуют развитию бактерий, обладают противовоспалительным действием, способствуют улучшению кровообращения, обновлению клеток наружного слоя кожи человека. Изделия также являются средством профилактики дефицита йода: человек во время сна вдыхает его пары низкой концентрации. Стоит такая красотень 1100 руб. (Фото 1)

А в конце позвольте мне рекомендовать вам действительно хороший, а не смешной материал. Это подушка из пенополиуретана с эффектом памяти из Икеи. Называется она Госа Лилья. (Фото 2) Стоит 1999 руб. и действительно классная штука. Она у меня уже с год – шея болеть перестала. Внимание: как и написано в инструкции, новая подушка пахнет химией. Но не долго. Потом выветривается и становится лапочкой, домашней и ласковой.

В Мадриде открылся дизайнерский отель для киноманов.
Мадридский отель в районе Саламанка станет идеальным местом для проживания для тех, кто разделяет мнение испанского режиссера Луиса Эдуаржо Ауте о том, что «сон – это кино». В этом отеле каждый номер посвящен определенному актеру, режиссеру или известному фильму мирового кинематографа. Каждый номер выполнен в уникальном стиле – предметы интерьера и декорации стилизованы под определенную тематику. Постояльцы могут выбрать своего любимого актера, режиссера или фильм – от Педро Альмодовара или Одри Хепберн до Тима Бартона или Альфреда Хичкока. Отель располагает 85-ю номерами, каждый из которых является произведением интерьерного дизайна почти 100 авторов. Комнаты отеля – индивидуальные, двухместные, семейные сьюты. (фото 1 и 2)
То, что над интерьерами трудилось почти сто человек, чувствуется: работы не равнозначные. Фотографий интерьеров было в заметке семь. Я выбрала самые удобоваримые - остальные явно не вяжутся с хорошим вкусом. А на те, что я предлагаю к просмотру, обратите внимание как на концепцию подростково-молодежной комнаты. А то бывает, что иногда мои заказчики предлагают в комнату своего сына повесить портреты русских писателей. Ну, да... (фото 3)

Что бы я купила в гостиницах Америки: или экскурс на тему Американского искусства.

Во-первых, я бы купила картины Анны Мэри Мозес (1860-1961) или «бабушки Мозес», как любовно ее называли в Америке. Она впервые попробовала свои силы в живописи в семидесятивосьмилетнем возрасте: взрослая дочь подарила ей краски, чтобы мама не скучала.
Ее дни рождения отмечались на обложках журналов "Тайм" и "Лайф", а столетие и вовсе стало праздником целого штата Нью-Йорк: губернатор Нельсон Рокфеллер объявил 7 сентября 1960 года "днем Бабушки Мозес". Президент Трумэн лично приглашал ее в гости в Белый дом. Даже такой гений самопиара, как Энди Уорхол, о котором я тоже расскажу, потому что тоже что-нибудь из его вещей купила бы, не смог в свое время похвастаться подобным вниманием публики. Она же без малейших на то усилий стала самым знаменитым американским художником ХХ века.

Случилось это потому, что в период между двумя войнами в США возникает культ примитивистского искусства. Картины примитивистов проникают на выставки и в музеи. Их линеарная четкость импонировала американскому зрителю, а идиллическая чистота чувств была тем качеством, которого, как казалось, недоставало профессиональному искусству. Привлекательность картин Анны Мозесв том, что в них изображен тот стиль жизни, в существование которого американцы так любят верить, но которого больше нет. Ее деревенские пасторали, сценки из быта американских фермеров прелестны и, безусловно, заслуживают место в истории искусства. Ведь ее красочные «дневные сновидения» воскрешают незамутненный мир детства.

Эта картина А. М. Мозес называется «Стайка хрюшек в Олбани» (1948).

Что бы я купила в гостиницах Америки: или экскурс на тему Американского искусства - 2.
Во-вторых, я бы купила какую-нибудь картину в стиле поп-арт (англ. popular art - «популярное, общедоступное искусство»). Это наиболее влиятельное течение модернизма второй половины 1950-х гг. вобрало в себя разнородные художественные представления дадаистов и кубистов, сюрреалистов и абстракционистов и придало им американский размах.

Печать, кино, телевидение, реклама, комиксы подсказали искусству поп-арта круг его образов, а промышленность дала ему различные современные материалы (лаки, пластики). Стиль был попыткой создать искусство без корней в прошлом, возникающее из сенсаций современности. Отсюда - набор перебивающих друг друга политических, коммерческих, бытовых, сексуальных ассоциаций. Поп-арт – стиль бездуховный, недаром его хрестоматийные образцы – работы отца-основателя стиля Энди Уорхола – готовились с помощью тиражной техники. Ведь эталонный прием бесконечного повторения одного и того же образа, будь это даже сцена катастрофы, – заставляет аудиторию относиться к изображению безразлично, не испытывая эмоций, как к декоративному орнаменту.

В 1962 г. Энди Уорхол создает серию картин и принтов – портретов М. Монро. (Рис 1) С тех пор это самый популярный портрет знаменитости, хотя и нелепый. Уорхол всегда был увлечен феноменом славы. Помимо Монро, которую он никогда не знал лично, Уорхол портретировал Мохаммеда Али, Марлона Брандо, Элизабет Тейлор, Лайзу Миннелли, Джеки Кеннеди и многих других. В 1970-е гг. Уорхол стал делать портреты богатых людей по поляроидной фотографии. Некоторые из его новых моделей были знаменитостями, однако в целом он использовал свой собственный звездный статус: ведь портрет, написанный знаменитостью Уорхолом, и самого заказчика превращал в знаменитость. Он, собственно говоря, создавал даже не портрет, а икону, на которую должны были молиться благодарные фанаты.

Сегодня интерьеры в стиле Поп-арта все чаще появляются на страницах интерьерных журналов. И главная примета этого направления – яркие обои с повторяющимся мотивом или постеры с портретами знаменитостей. Есть даже полированный керамогранит с изображением этикеток, афиш и портретами кинозвезд. На полу и стенах гостиной такая плитка произведет настоящую сенсацию среди ваших гостей. (Рис 2)

Гостиницы США и Италии коллекционируют работы местных художников.

Как-то забыла сказать, почему это я «распокупалась» в гостиницах Америки. А я прочитала в Интернете, что появилась такая тенденция.

В последние годы все большее количество отелей по всему миру пытаются приобщить своих постояльцев к искусству. Почти каждая гостиница высокого уровня сегодня обладает хотя бы небольшой коллекцией произведений искусства. Постояльцы часто приобретают картины и сувениры в память об отдыхе в том или ином отеле мире. Услугами художников сегодня пользуются многие гостиничные учреждения. Работы мастеров живописи украшают вестибюли и общественные зоны отелей. Благодаря предметам искусства, гостиница может выделиться, идентифицироваться себя. (Так же как и жилье, между прочим.) Так, в Далласе недавно открылся отель «Omni», который располагает огромной коллекцией работ местных художников. Постояльцы этой гостиницы, приобретая любой из представленных здесь предметов искусства, могут взять с собой «частицу Техаса».

Многих отельеров мира можно с полным правом причислить к антикварам и искусствоведам. Так, отель «Lancaster Arts Hotel» в Пенсильвании занимается активной продажей предметов мебели и искусства. Постояльцы гостиницы могут приобрести любые из находящихся в номерах работ местных художников. Как сообщает ca.omg.yahoo.com, «Renaissance Arts Hotel» в Новом Орлеане никак не был готов к тому, что постояльцы будут узнавать цену картин и статуэток, которые находятся в номерах гостиницы. И, тем не менее, многие гости отеля интересуются можно ли приобрести ту или иную вещицу, которая украшает апартаменты гостиницы в Новом Орлеане.

По мнению Бьорна Хэнсона, декана школы гостеприимства в Нью-Йорке, многие гостиницы вынуждены украшать свои номера произведениями искусства для того, чтобы удовлетворить запросы молодых путешественников, которые не хотят «видеть одно и то же в отелях Нью-Йорка и Сан-Франциско». В результате, теперь многие отельеры стали оказывать своеобразную поддержку художникам, которые проживают в той или иной местности. Отельеры США советуют путешественникам оставлять как можно больше свободного места в чемоданах на тот случай, если во время поездки им захочется приобрести предмет искусства.

В Икея скоро появится «Дедушкино кресло».
Необычайно обрадовалась, увидев в каталоге Икея «Дедушкино кресло», или как его еще называют «ушастое» или «крылатое» кресло. Кресло родилось в середине ХVIII века, в эпоху рококо, и приписывается гениальному английскому мебельному мастеру Томасу Чиппендейлу.

В мастерских Чиппендейла на улице Сан-Мартинс в Лондоне были созданы многие предметы, ставшие эталоном вкуса для нескольких поколений. Например, большой книжный шкаф, сочетающий китайский орнамент с элементами рокайля, и кровать с балдахином в виде китайской пагоды. (В Англии было особенно сильным увлечение китайским искусством.) Чиппендейл изобрел специальные столы для чтения, круглые складывающиеся столы для завтрака, оригинальные горки и кресла, очень близкие к французским, а также красивые экземпляры так называемого «ушастого» кресла.

Кресло это могло родиться только в эпоху, когда еще не существовало центрального отопления, и люди не знали о теплых полах, а отапливались исключительно каминами. Посмотрите на него: высокая спинка кресла, стоящего перед камином, препятствует проникновению холодного воздуха со спины сидящего, а «уши» - чем больше, тем лучше – задерживают тепло с боков. Просто не кресло – а сказка. Ведь общеизвестно, чем не хороши камины: лицо сидящего перед ним человека горит от огня, а спина мерзнет.

С небольшими изменениями в пропорциях кресло «Grandfather chair» дошло до наших дней. Его выпускают многие фирмы, так или иначе варьируя форму и называя «своим». К икейскому креслу, к его скромной обивке, хорошо бы добавить пару парчовых подушек и можно ставить в гостиной, практически любого стиля, у камина (и не только). При взгляде на него возникает красочный калейдоскоп исторических ассоциаций, к тому же оно удобно без меры, а икейский экземпляр еще и стоит, наверное, недорого. В общем, супер.

Что бы я купила в гостиницах Америки: или экскурс на тему Американского искусства - 3.
Если в Европе в предметной живописи городская среда (дома, улицы, магазины) представляла собой нечто, сотворенное руками человека и обжитое им, то в Соединенных Штатах в межвоенные десятилетия отчетливо вырисовывается новое, свое собственное художественное понимание действительности. Здесь возникает в 1920-е гг. искусство прецизионистов. И оно являет собой противостоящий человеку безлюдный мир грандиозных индустриальных форм.

Прецизионисты – довольно заковыристое слово. С наскока его не произнесешь, но если повторить его подряд 5 – 6 раз, потом привыкаешь. И при произношении даже передние зубы не вылетают. Попробуйте.

Так вот, прецизионисты (Ч. Шилер, Ч. Демут, Н. Спенсер) в своих картинах, четких как чертеж, изображают наш мир раскрашенный ровными, чистыми красками. Их движение явилось попыткой примирить абстракцию и реализм, соединить американский инженерный опыт и пластические эксперименты европейского происхождения. Воспевание чисто утилитарных и промышленных объектов, преклонение перед техническими императивами машинного века рассматривалось как выражение не только современности, но и национального начала. Ведь если капнуть историю американского прогресса, то дыбом встает все.

В США с 1820-х–1830-х гг. в строительстве начинают применять чугун и железо. (Это время нашего восстания декабристов (1825 год), между прочим.) С изобретением металлического каркаса зданий и изобретением парового лифта (1852 – 1853), а затем электрического, высота домов резко возросла. В последней четверти ХIХ в. возник новый, специфически американский тип сооружений – небоскребы. И само их строительство долго оставалось типично американским явлением и широко распространилось за пределами США практически только после Второй мировой войны. Небоскреб Вулворт-билдинг с его 55 этажами был построен в 1913 г.. (Вспоминаем нашу кинохронику времен Первой Мировой войны, для сравнения). В 1929 г. в Нью-Йорке был построен 77-этажный Крайслер-билдинг. А уже через два года там появился знаменитый Эмпайрстейт-билдинг, достигший 102 этажей и высоты свыше 380 м.

Особенно впечатляющими были металлические мосты – арочные и висячие. Висячий Бруклинский мост через реку Ист-Ривер в Нью-Йорке (тот самый, который беспрестанно показывают во всех голливудских фильмах) был построен по проекту Дж. Рёблинга аж в 1869 – 1883 годах. Протянувшийся почти на пол-километра его центральный пролет, его колоссальные устои, поднявшиеся на высоту 83 метра над уровнем воды, эти мощные тросы, удерживающие строение, - все это поразило современников и стало образцом новой эстетики, рожденной промышленным веком.

Так что прецизионистам было что воспевать. К тому же картины прикольные и очень современные, а ведь почти что 100 лет прошло. Фото 1 (Ч. Шилер. Улица с церковью. 1920.), а Фото 2 - (Ч. Демут. Дымоход и водонапорная башня». 1931.) Кстати, в Икее есть письменный стол цветом как этот дымоход, один к одному. Вот над столом и повесить. И поражать друзей знанием прецизионизма.

Коллекции декоративного кирпича
История возникновения кирпича восходит к эпохе древних цивилизаций. Первые кирпичи изготавливались из смеси глины с водой и соломой, и на солнце такой кирпич становился крепкий, как камень. Это был сырой кирпич. Обжигать кирпичи стали позднее – в Древнем Египте. Римляне и греки изобрели «plinthos» - плинфу. Ее создание стало важным этапом в дальнейшем развитии зодчества. Один из самых известных памятников архитектуры, в строительстве которого использовалась плинфа - императорская вилла Адриана. Из тонкоплиточного кирпича сложены арки и архитектурные элементы виллы. Само же строение возведено из тибуртина - местного известняка, в честь которого был назван город Тибур, ныне Тиволи.

"Тиволи брик" (фото 1) и "Терамо брик" - две новые коллекции декоративного облицовочного кирпича, одновременно выпущенные компанией White Hills. Элементы "Тиволи брик" имитируют плинфу - обожженный кирпич, который использовали древние зодчие. Тонкие удлиненные кирпичики можно выкладывать различными способами: традиционным, по диагонали, елочкой или ступеньками. Размеры изделий - 25x2,5 см. Толщина - 1,5 см. Рекомендуемая ширина шва - 1,2 см.
Облицовка из декоративного кирпича коллекции "Терамо брик"(фото 2) напоминает классическую итальянскую кирпичную кладку. Благодаря ее мягким пастельным тонам интерьер квартиры или загородного дома будет выглядеть более теплым и уютным. Габариты изделий - 25x5,5 см. Толщина - 1,5 см. Рекомендуемая ширина шва - 1,5 см. Обе коллекции включают угловые элементы. И цена за кв. м от 800 руб. до 1010 руб.

Душ-водопад.
Устав от обилия механизмов и давления городской среды, человек стремится слиться в гармонии с природой и с самим собой. Ванная комната - одно из немногих помещений, где можно расслабиться, освободиться от одежды и условностей и очиститься под струями воды. Сегодня ванная претерпела поразительные изменения: из утилитарного санузла она превратилась в комнату для релаксации.

В противовес существующей эстетике, заботящейся о разнообразии форм смесителей, вентилей, всевозможных держателей, в последних коллекциях сантехники отчетливо прослеживается тенденция к маскировке функциональных узлов. Вода поступает неизвестно откуда и утекает неведомо куда, и купание превращается в таинство общения с природой. Умывальники и ванны стали похожи на глубокие чаши без «технических подробностей», а в душевой кабине вы попадаете не просто под дождь, а под «тропический» ливень или под водопад.

Создавая оборудование для ванной комнаты, дизайнеры все чаще черпают вдохновение в самой природе. Яркий пример этого - настенный душ Aria из одноименной коллекции водоразборной арматуры компании Webert (Италия). Его очертания от излива до основания образуют одну непрерывную плавную линию, словно отполированную водой. Кажется, что такой прочный и благородный материал, как латунь (из нее изготовлены изделия коллекции), подчинился движению воздуха и принял безупречную обтекаемую форму, напоминающую склоненный стебель цветка. Благодаря легкому изгибу желоба вода стекает по нему и мягко ниспадает подобно настоящему водопаду. И в этом что-то есть…

Морской стиль в интерьере.
Вернулась я из отпуска и ахнула: как вы тут запустили московскую погоду. Дождь, холодно, мерзко. А у «нас» в Турции – жара, пчелки летают, рыбки снуют. Синее море, голубое небо. И потянуло меня сразу на морской стиль в интерьере – самое время, ведь так хочется сохранить лето, хотя бы как фотографию вида со своего балкона в турецком отеле. (фото 1)

«Холодная» синяя гамма действует умиротворяюще, не зря мы все так любим смотреть на море. Поэтому синие цвета отлично подойдут для спальни. Пастельный голубой внесет прохладу в любое помещение. А вот насыщенные индиго и фиолетовый лучше использовать только в качестве ярких пятен - это довольно активные цвета, которые могут быстро утомить. Лучше декорировать подобным цветом одну из стен или ограничится покрывалом и абажуром. Мозаика и плитка всех оттенков синего будет уместна не только на стенах в ванной, но и небольшими фрагментами во всем доме. (фото 2)

В морском интерьере найдется место не только синему цвету, но и белому и бежевому - цвет песка, канатов и парусов. А несколько аксессуаров могут быть и ярко-красными, словно маяк или спасательный круг. С белым и бежевым цветом возникает изысканная морская разновидность стиля Прованс, тут и крашеная мебель, и плетеные сундуки. Ну и, конечно, корабельные детали – карты и якоря на обоях, штурвал и спасательный круг на занавесках, металлический фонарь, иллюминаторы в виде зеркала. (фото 3)

Полоскам в морском интерьере – самое место. Выбирайте полосатые обои или разрисовывайте стены краской. Кисточкой можно провести узкие линии, валиком — широкие. Вертикальные полосы зрительно приподнимут потолок, но «морские полоски» - только горизонталь: очень свежо и не затасканно. А можно оставить стены светлыми и однотонными, а в «тельняшки» обрядить подушки и окна. (фото 4) Морское путешествие рано или поздно приводит к райским островам. А уж тут чего только нет – пальмы, орхидеи, невиданные птицы и тропические животные! А это уже - обои, ткани, постельное белье с изображением южной флоры и фауны. И попутного вам ветра.

Выставка итальянской мебели.
Ежегодная выставка мебели i Saloni WorldWide Moscow 2012 – одно из самых значимых коммерческих событий мирового масштаба в области интерьера и дизайна проходила на прошлой неделе в КрокусЭкспо. Я там была, фотографировала и готова рассказать о том, что мне запомнилась. На фото 1 – элемент эффектной экспозиции. Кстати, я видела такую «каплю», только белую, на Нахимовском Экспо. Белая – тоже забавно.

Всего зала было 4. Два из них, где была представлена современная мебель в стиле гламур или ар-деко были просто супер. А вот из двух залов с классической мебелью я, глянув мельком, ушла. Ну как можно на полном серьезе поставить у себя вот такое кресло? Да, это ампир, но это «золотое с красным» можно воспринимать только с улыбкой, как стеб. (фото 2) Цвета именно такие – вырви глаз.

Или вот, из серии «их нравы». (фото 3) Глаза у собачки (Баскервилей?) сделаны из мелких стразов. И у нее еще ошейник со стразиками. Ужас? И вся она золотая…

А вот стол из «хорошего» зала. Это уже мой любимый стиль трэш – для тех, у кого умелые руки. Надо взять доски позанозистей и поставить на бликующие гладкие ножки. Получается очень стильный журнальный столик, так сказать, арт-объект – украшение гостиной. (фото 4)

A вот эти кактусы просто чудо, как хороши. (фото 5) Поставить парочку на комод, в комнате покрасить стены в насыщенный цвет, например, в апельсиновый – получится мексиканская фазенда. Такая кухня будет радовать по утрам, насыщая вас южным солнцем.

Интересная отделка спинки кровати: сочетание гладкой кожи и прошитой тонкими ремнями. Особенно эффектно издали, все подходят и смотрят – что это. (фото 6)

Забавно
Крепкой и прочной глазурованной керамике не страшны ни влажная и агрессивная среда, ни перепады температуры. Функциональные керамические изделия Laguraty можно использовать в качестве различных предметов обстановки: табуретов, столиков, прикроватных тумб, контейнеров, светильников, кашпо, подставок для зонтов, тростей и цветов. Из них получатся также эффектные декоративные элементы для жилых помещений, сада, ванной комнаты. Эти предметы можно оставить в саду под снегом, на балконе под палящими лучами солнца или установить в душевой кабине. Новинки станут стильным украшением сада, но при необходимости ими также можно прикрыть небольшие люки или неэстетичные вентили. Средние размеры изделий — 46x36x36 см. Стоит такая штучка – около семи тысяч, что в общем-то не мало, но и не смертельно. А вообще керамика – такой благодарный материал, пусть ее в доме будет много.

Рестораны шеф-повара мирового класса, звезды кулинарных ток-шоу, миллионера Джейми Оливера массово обворовывают.

Посетители его ресторанов в любой стране имеют плохие манеры – они продолжают воровать его фирменные салфетки. Оливер утверждает, что теряет около 30 тыс. салфеток каждый месяц, несмотря на тот факт, что каждый из ресторанов продает эти же самые салфетки в пачках по четыре штуки. «И еще есть одна вещь, – рассказал Оливер во время недавнего интервью на радио. – каждый ресторан, которым я владею, обустроен старомодными туалетами от Томаса Крэппера, потому что я всегда считал их вид классным. Но они очень дороги, и нам пришлось приваривать ручки и смывные рычажки, потому что люди их откручивали и уносили с собой... Честное слово, некоторые люди выходят в город поужинать и возвращаются домой с половиной туалета. Что можно сказать? Они не дружат с головой!» – добавил в сердцах Оливер, сообщает Foodista.

В 1861 г. упоминаемый выше англичанин Томас Крэппер пересадил всех людей с горшков на унитазы, снабдив новый гигиенический прибор системой автоматического набора и слива воды. А в варианте старейшей фирмы «Twyford», существующей и поныне, унитаз приобрел современный вид, так как решено было отказаться от высокого крепления бачка и разработать компактную версию изделия. Название, данное той первой коллекции - «Unitas» - со временем стало именем нарицательным. Гидрозатвор, то есть коленный изгиб трубы сифона, в котором всегда остается вода, служащая «пробкой» для запахов из канализации, тоже придумал англичанин - без этого приспособления теперь не обходится ни один сантехнический прибор.

Бывшие постояльцы возвращают гостинице Waldorf-Astoria украденные вещи.
Знаменитый отель Нью-Йорка «Уолдорф Астория», который знаком многим россиянам по таким фильмам, как «Запах женщины», решил призвать своих бывших постояльцев вернуть украденные некогда гостиничные вещи.

Гостиница за годы своей работы успела приобрести статус одного из самых легендарных отелей мира, в связи с чем, некоторые постояльцы Waldorf-Astoria стремятся заполучить в собственность некоторые предметы гостиничного интерьера. Поскольку ущерб, наносимый «Уолдорф Астории» постояльцами, присваивающими себе вещи гостиницы, довольно серьезен, администрация отеля попыталась хотя бы частично компенсировать убытки.

Как сообщает kp.ru, в легендарном отеле Нью-Йорка недавно была объявлена амнистия. Администрация гостиницы на своей странице в Фейсбуке с большой деликатностью призвала вернуть своих бывших клиентов «тайно вынесенные ими из гостиницы» вещи, пообещав, что никто из персонала не будет задавать виновникам краж никаких ненужных вопросов.

В администрации гостиницы «Уолдорф Астория» отмечают, что пока организованная отелем амнистия проходит довольно успешно. Бывшие постояльцы гостиницы охотно возвращают украденные некогда вещи. Со всех уголков Америки в отель приходят посылки со столовыми приборами и различными аксессуарами. Некоторые бывшие клиенты гостиницы «Уолдорф Астория» даже присылают таблички, на которых значится надпись «Не беспокоить».

Бриджит Браун вернула отелю три серебряных ложки с символикой «Уолдорф Астории». Женщине не так-то легко было расстаться с вещами, которые на протяжении шестидесяти лет в семье ее мужа передавались от одного поколения другому. За все эти годы ложки, похищенные некогда из гостиницы, стали семейной реликвией. Бриджит Браун не стала скрывать своего имени. Более того, она призналась в том, что четвертую серебряную ложку «Уолдорф Астории» она оставила себе на память.

В администрации известной гостиницы Нью-Йорка из возращенных вещей решили создать экспозицию. Таким образом, в холле отеля в самое ближайшее время постояльцы смогут посмотреть на вещи, которые некогда привлекли внимание гостей «Уолдорф Астории».

Эклектика как метод современного проектирования интерьеров.
Эклектика у современных дизайнеров – это главный прием сегодня. По-другому он называется фьюжн или микс. Искусствоведы метали громы и молнии еще в ХIХ веке, объясняя нам, что эклектика замещает временное отсутствие большого стиля. Может быть это и так, конечно, но, тем не менее, метод оказался необыкновенно плодотворным. Кажется, что эклектика словно создана для того, чтобы мешая разные культуры и стили, взглянуть на них по-новому. В самом деле: мы живем в ХХI веке, и глупо останавливаться сейчас на каком-то одном стиле. Иначе не жилье получится, а какая-то музейная реконструкция. И вот старинный сундук отлично справляется с ролью телевизионной тумбы. Старое и новое рядом создают образ модного интерьера «с историей». И получается, что эклектика может быть стильной.

Эклектика (от греческого eklektikos – «выбирающий») – очень древнее слово. Термин возник еще в эпоху эллинизма для обозначения философских систем, соединяющих элементы учений Платона. Но мы сейчас философии касаться не будем, а в дизайне эклектика означает соединение частей от разных стилей в одном художественном образе.

Но как не крути, эклектика – это порождение массовой культуры, ориентировано на широкие массы потребителей и имеет как положительные, так и отрицательные стороны. В XIX веке стремление творцов (художников, архитекторов, мебельщиков) на удовлетворение любых запросов клиентов неотвратимо привело к снижению уровня эстетических качеств. Но в эклектике есть и положительные стороны. Прежде всего, все то, что эклектично, не обязательно является признаком дурного вкуса. Если эклектика создается мастером высокого класса, с прекрасным чувством вкуса и меры, то она вполне способна выглядеть стильной. Пример тому - здание Нового Эрмитажа архитектора Лео Кленце, которое, в отличие от других зданий Эрмитажа, не относится к какому-то определенному стилю, а объединяет элементы от трех разных стилей. Однако выглядит при этом не менее оригинально и стильно, чем остальные прекрасные сооружения этого ансамбля.

Во-вторых, эклектика - это полигон для преодоления штампов и отработки новых приемов. Она разрушает веками заложенные традиции, жесткие правила, выверенные каноны, от которых, казалось бы, нельзя уйти. Эклектика расчищает культурное пространство для новых идей, создавая при этом глубокий культурный кризис. Может быть, именно после завершения сегодняшнего затянувшегося периода эклектизма и появятся новые прекрасные стили. Ведь вещи из разных культур и из разных эпох подчеркивают красоту друг друга. Вот как на этом фото. Каким бы скучным было медальонное кресло эпохи Луи ХVI без принта на спинке. А сейчас – очень интересный мебельный предмет, ироничный, на грани эпатажа. И это здорово.

Что такое колониальный стиль.
Направление в декорировании интерьера, которое мы сейчас называем «Колониальный стиль» является, скорее, эпитетом, чем определением историко-художественного стиля. Этим латинским словом (от лат. colonus – колон, древнеримский поселенец, арендатор земли, житель провинции-колоната) со временем стали называть искусство, связанное с освоением новых земель. Ведь как только появилась первая - Римская - империя, то появились и колонии. Кстати, в одну такую северную колонию Рима был сослан незабвенный Овидий Назон из-за несоответствия пропагандируемых им идеалов любви официальной политике императора Августа в отношении семьи и брака. И сослан он был в западное Причерноморье (сейчас Констанца в Румынии), где провел последние десять лет жизни.

По другому «Колониальный» стиль называют еще «рустичным» (лат. rusticus – сельский, грубый), что имеет слегка пренебрежительный оттенок, как «простой, незатейливый, неуклюжий, бесхитростный, простонародный». Ведь жители колоний пытались подражать архитектуре и интерьерам метрополии, и то, что у них порой получалось, подчас вызывало улыбку приезжих из метрополии чиновников.

А интерьерное направление «Колониальный стиль» возникло при королеве Виктории в странах Азии - Индии, Бирме, Лаосе, Индонезии и др. В XIX в. военная и дипломатическая служба в дальних землях была очень престижной. Европейцы жили за морем годами и, оставаясь на привычном для них месте и по завершении карьеры, окружали себя экзотическими предметами обстановки. Те же, кто возвращался на родину, привозили с собой памятные вещи, бытовые привычки и определенную манеру обустраивать свое жилище. Например, стоящие на полу большие деревянные слоны у многих со временем стали обязательным украшением дома.

Таким образом, Колониальный стиль базируется на английском викторианском интерьере и требует присутствия экзотических элементов. Здесь, конечно, не обойтись без большого рассказа о викторианском стиле. Но представить стиль можно по нашему великолепному сериалу «Шерлок Холмс и доктор Ватсон». Это интерьеры и архитектура «типично английского дома» - коттеджа с элементами фахверковой конструкции, планировкой на нескольких уровнях с парадной лестницей, дубовыми панелями на стенах, витражами, окнами с мелкой расстекловкой и поднимающимися вверх рамами, коврами на полу, книжными шкафами, напольными часами и обязательным камином в гостиной. И везде цветы – в вазах, на занавесках, на обоях, на пестром убранстве кроватей, на бесчисленных подушечках, вышитых еще бабушкой хозяйки дома. (Фото)

Американский же колониальный стиль имеет свои особенности, и о нем речь пойдет в следующий раз.

Американский колониальный стиль.
Мы как-то обычно забываем, что США когда-то, давным-давно, были сначала колонией - голландской, а потом английской и др., и что на территории этой колонии поэтому сложился довольно интересный стиль, который с большим правом можно назвать колониальным. И как всякий колониальный стиль он, на первых порах, базировался на той мебели и тех приемах интерьерного убранства, которые голландцы, англичане, немцы, французы и испанцы привозили с собой из метрополий. Но черты местного своеобразия постепенно усиливаются, и уже в ХIХ веке здесь складываются свои школы проектировщиков, появляются свои мебельные фирмы. Отличить американскую мебель от родственных ей форм довольно сложно даже специалистам, поэтому принято считать, что американская колониальная мебель была, в сущности, разновидностью английской мебели, и в своем развитии она шла по стопам английских мебельных стилей.

Период формирования американской мебели можно разделить на три этапа: (1608 – 1720 гг.) – ранний период; (1720 – 1780 гг.) – период правления английских королей Георгов, так называемый георгианский стиль и (1780 – 18300 гг.) – первые десятилетия после завоевания независимости. Так что, если вы соберетесь делать себе американский колониальный стиль – простор для творчества будет огромный.

До 1650 г. качественная мебель была редкостью, в старинных описях имущества упоминаются в основном столы и стулья простой столярной работы – обычная прямоугольная рамно-филенчатая конструкция, крашенная краской. Потом, с улучшениями условий жизни появилась мебель из сосны, дуба, березы, ореха с деталями токарной работы для украшения. Мебель эта не покрывается политурой и не фанеруется. В ХVIII в. богатеющая американская буржуазия могла уже позволить себе приобрести все, что предлагал европейский рынок, но с отставанием на 10-20 лет. С отставанием появилось за океаном и модное в то время в Европе французское рококо с китайскими мотивами. Рококо, наверное, знают все: мебель на тонких, козлиных ножках с минимумом позолоты, во Франции – белая, розовая, голубая, в Англии – цвет естественного дерева (мебель направления чиппендейл).

После рококо вошло в моду очень много и местной, и привозной из Лондона мебели классицистического направления. Вот ее-то и принято считать американским колониальным стилем. Примером могут служить приемы обустройства жилища в Новой Англии: портики с фронтонами и колоннами, балюстрады и мансардные окна. В интерьерах модны были крашеные стеновые панели-буазери из мягких пород дерева с прямоугольными профилями-обломами. Они украшали большие залы и приемные комнаты. Буазери, особо ценимые за эстетические качества, а так же за теплоизолирующие свойства, иногда делали во всю стену, до потолка, особенно на той стене, где находился камин.

Если сравнивать английские и американские дома, в глаза сразу бросается отличие: американцы не выносят узких коридоров и крутых лестничных пролетов. Американский дом развивается исключительно по горизонтали. Американская тенденция: третий уровень - неудобное излишество, нерациональная трата пространства, оптимальный дом - первый этаж плюс мансарда. Американцы первыми стали создавать обширные, многофункциональные пространства (кухни-столовые, гостиные-столовые), соединенные широкими порталами или зонированные весьма условно.

Во второй половине ХVIII в. при отделке пышных интерьеров принято было подбирать для сходных помещений разные цветовые гаммы. В результате контраст цвета и рисунка придавал каждой комнате в анфиладе свое лицо. В богатых особняках шелковые драпировки и настенные обои были непременной деталью интерьеров. Однако для столовых делалось исключение. Как в Англии, так и Америке считали, что убранство столовой должно быть строгим, без излишней отделки, в «мужском» стиле, ведь ткани (занавески) и бумага (обои) так хорошо поглощают запахи пищи, пропитываются ими. Интерьер кухни так же был прост и функционален: светлые стены вверху и зеленоватые (хаки) панели внизу, цвет которых так и называется - «колониальный». А мебель в колониальном американском стиле можно купить в мебельных фирмах из США, цены, кстати, очень демократические.

Как я была в Резиденции английского посла.
На прошлой неделе я была приглашена на выставку английской мебели и на прием по случаю открытия этой выставки в Резиденцию английского посла на Софийской набережной, что как раз напротив Кремля.


Сам особняк, напоминающий старинную усадьбу, был построен в 1891-1893 гг. архитектором Д. Н. Чичаговым при участии Ф. О. Шехтеля. Об интерьерах Резиденции, а нам оставили для обозрения холл и три зала с каминами, я и хочу вам рассказать.

Людей было приглашено очень много, в основном дизайнеры и архитекторы, которые пришли с работы, так что никого в вечерних платьях с открытой спиной, слава богу, не было. И когда мы вошли с моей приятельницей журналисткой, то, по началу, растерялись: Куда податься? Хорошо нас в этой толпе увидел какой-то солидный господин и что-то сказал нам по-английски, показав куда-то рукой. Изо всей его фразы я поняла только «ледиз», и мне сразу стало приятно («леди» меня назвали), к тому же мы тут же нашли гардероб.

Продолжая пробираться в толпе, нашли туалет (фото1), стены которого до половины были облицованы английской «готической» плиткой, а вверху просто покрашены. Плитка с готическими мотивами была так же и на полу. Такие напольные узоры украшали английские монастыри в эпоху Средневековья, потом они перекочевали в светские и жилые сооружения, потом забылись. А в ХIХ веке их вновь ввела в моду молодая английская королева Виктория, теперь подобная плитка на полу называется викторианской. В санузле стоял столик, стулья и висела репродукция картины.

Холл тоже выполнен в стилизованном готическом ключе и облицован деревянными панелями.(фото 2) Панели – выше человеческого роста, потому что потолки в здании высокие, метров 5, не меньше. Величественную деревянную лестницу украшают резные фигуры орлов.

Высокие изящные двери тоже декорированы деревянной резьбой. (фото 3)

Очень милая простая винтовая лестница, которая ведет в какую-то дверь, выходящую на пол-этажа, не оставила меня равнодушной. (фото 4)

В каждом из трех открытых для обозрения залов – свой собственный камин, по отделке отличный от других. Мне особо понравился «готический». (фото 5)

Выход из Резиденции был там же, где и вход – великолепные деревянные двери, украшенные витражами, простой геометричный рисунок которых тоже заставляет вспомнить готику. (фото 6) А вот английского посла я опять не увидела, что-то не везет мне на послов.

Кое-что о кухонной технике.
На той неделе была приглашена на празднование 10-летия немецкой фирмы Rational (Рациональ), которая является на сегодняшний день одним из самых известных кухонных производителей в Германии. Кухни, конечно, великолепны в своем совершенстве, но я, почему-то, больше внимания обратила на кухонную технику немецкой фирмы Guggenau (Гуггенау). Вот это чудо.

Сначала меня поразила вытяжка, которая выползает из кухонной столешницы, когда она нужна. А потом заползает в эту столешницу (вместе с кухонным жиром, который на нее набрызгал), когда она не нужна. Причем, как вы сами понимаете, она поглощает пар и запахи именно там, где они возникают. (Фото 1) Ее постоянно подсвеченная светодиодная поверхность дарит приятный приглушенный свет. Далее, написано в проспекте, такая вытяжка особенно ценна для кухонь, где есть остров. (От себя замечу, что выносить плиту, а особенно мойку, на остров считаю совершенно не целесообразным и даже не безопасным. Давайте подумаем о детях, которые бегают вокруг острова и легко могут опрокинуть на себя что-нибудь кипящее. А мостить подводку воды к мойке на остове с поднятием уровня пола для прокладки труб, чтобы потом брызги от мойки летели во все стороны, а ты падал со ступеньки? Ну уж нет!)

Второй тип вытяжки – когда она находится прямо в столешнице, а на поверхности столешницы мы видим просто решетку. Такой тип скрытых вытяжек предназначен для жаровен и грилей, то есть самой низкой кухонной посуды. Я спросила у представителя фабрики, а что будет. Если в решетку прольется вода? Он ответил, что ничего не будет – просто выключите вытяжку и все.

А вот еще «крутая нанотехнология» - индукционная варочная панель с зоной нагрева по всей площади. Здесь вся площадь этой панели используется, как одна большая зона для приготовления пищи. Кухонная посуда разогревается там, где она находится. Управление осуществляется с помощью TFT-сенсорного дисплея. (Напомню только, что купив индукционную плиту, вы должны будете сменить все свои кастрюли – кастрюли потребуется купить новые, с особым дном. Зато вода в такой кастрюле закипает на пару минут.) Фото 2

А вот холодильники side-by-side меня опять не порадовали. (Одна моя заказчица однажды, купив и получив такой холодильник, открыла его дверцу и с ужасом воскликнула: «А куда я кастрюлю с борщом ставить буду?») Вот такой же вопрос я и задала представителю фабрики: «Где место для кастрюли? Немцы что? Суп не едят?» Представитель ответил, что едят и что для кастрюли надо будет снять какую-нибудь полку. А я подумала: «Не едят немцы борща. Все предусмотрели – всякие зоны свежести того и сего, ледогенератор при нажатии одной кнопки поставляет лед в кубиках, ледяную крошку и просто воду, - а для кастрюли места нет.» Э-эх!

Кое-что о кухонной технике.
На той неделе была приглашена на празднование 10-летия немецкой фирмы Rational (Рациональ), которая является на сегодняшний день одним из самых известных кухонных производителей в Германии. Кухни, конечно, великолепны в своем совершенстве, но я, почему-то, больше внимания обратила на кухонную технику немецкой фирмы Guggenau (Гуггенау). Вот это чудо.

Сначала меня поразила вытяжка, которая выползает из кухонной столешницы, когда она нужна. А потом заползает в эту столешницу (вместе с кухонным жиром, который на нее набрызгал), когда она не нужна. Причем, как вы сами понимаете, она поглощает пар и запахи именно там, где они возникают. (Фото 1) Ее постоянно подсвеченная светодиодная поверхность дарит приятный приглушенный свет. Далее, написано в проспекте, такая вытяжка особенно ценна для кухонь, где есть остров. (От себя замечу, что выносить плиту, а особенно мойку, на остров считаю совершенно не целесообразным и даже не безопасным. Давайте подумаем о детях, которые бегают вокруг острова и легко могут опрокинуть на себя что-нибудь кипящее. А мостить подводку воды к мойке на остове с поднятием уровня пола для прокладки труб, чтобы потом брызги от мойки летели во все стороны, а ты падал со ступеньки? Ну уж нет!)

Второй тип вытяжки – когда она находится прямо в столешнице, а на поверхности столешницы мы видим просто решетку. Такой тип скрытых вытяжек предназначен для жаровен и грилей, то есть самой низкой кухонной посуды. Я спросила у представителя фабрики, а что будет. Если в решетку прольется вода? Он ответил, что ничего не будет – просто выключите вытяжку и все.

А вот еще «крутая нанотехнология» - индукционная варочная панель с зоной нагрева по всей площади. Здесь вся площадь этой панели используется, как одна большая зона для приготовления пищи. Кухонная посуда разогревается там, где она находится. Управление осуществляется с помощью TFT-сенсорного дисплея. (Напомню только, что купив индукционную плиту, вы должны будете сменить все свои кастрюли – кастрюли потребуется купить новые, с особым дном. Зато вода в такой кастрюле закипает на пару минут.) Фото 2

А вот холодильники side-by-side меня опять не порадовали. (Одна моя заказчица однажды, купив и получив такой холодильник, открыла его дверцу и с ужасом воскликнула: «А куда я кастрюлю с борщом ставить буду?») Вот такой же вопрос я и задала представителю фабрики: «Где место для кастрюли? Немцы что? Суп не едят?» Представитель ответил, что едят и что для кастрюли надо будет снять какую-нибудь полку. А я подумала: «Не едят немцы борща. Все предусмотрели – всякие зоны свежести того и сего, ледогенератор при нажатии одной кнопки поставляет лед в кубиках, ледяную крошку и просто воду, - а для кастрюли места нет.» Э-эх!

Все на выставку, или Амадео Модильяни.

4 декабря 2012 года в Москве, ул. Волхонка, 15) открылась первая ежегодная выставка антиквариата и изобразительного искусства Russian Antiques and Fine Arts Fair (RAFAF). Выставка организована Центром изящных искусств на Волхонке совместно с несколькими зарубежными галереями и музеями, чьи интересы в Москве представляет известный голландский галерист Карло Ван Остерхут.

На выставке представлены работы немецких и голландских художников 16-17 вв., академическая живопись 19 в., а также произведения кубистов и экспрессионистов 20 в.. Впервые в России будут показаны шедевры мирового искусства, принадлежащие кисти Питера Брейгеля Младшего, Лукаса Кранаха Младшего, Герарда Терборха, Адриана Ван Остаде, Франса Снайдерса. Искусство 20 века будет представлено такими именами, как Пабло Пикассо, Амадео Модильяни, Александр Архипенко. Нет нужды говорить, что работы перечисленных выше мастеров составляют гордость крупнейших музеев мира, в России же лишь избранные музейные коллекции имеют картины такого уровня.

Меня в этой выставке особо заинтересовал Модильяни, о котором я и хочу рассказать сегодня.

Модильяни (1884 – 1920) – итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников ХХ века, представитель экспрессионизма. Он вырос в Италии, в 1906 году переехал в Париж, где познакомился с Пабло Пикассо и Константином Бранкузи (в некоторых источниках Брынкуши), которые оказали на его творчество большое влияние. Но если учесть, что в Париже того времени среди богемы очень модным было африканское искусство, то можно считать, что в истоках творчества всех троих гениев и лежит самобытное искусство Африки. (Фото 1) Именно под влиянием африканской скульптуры Модильяни и начал создавать эти изумительные вытянутые фигуры и длинные шеи своих «кариатид». (Фото 2)

Интересно, что творчество Модильяни нельзя отнести ни к одному из современных направлений того времени, как например, кубизм или фовизм. Искусствоведы рассматривают творчество Модильяни отдельно от основных течений того времени. При жизни работы художника не имели успеха и стали популярными лишь после его смерти — на последних аукционах «Сотбис» в 2010 году две картины Модильяни были проданы по рекордным для его наследия ценам — 60,6 и 68,9 миллиона долларов США. При жизни Модильяни был беден и умер от туберкулезного менингита в 36 лет.

Модильяни очень интерьерный, узнаваемый, а потому стильный. Пара репродукций на стене придадут вашей гостиной знаковость и элитарность. Особенно он хорошо микшируется с элементами интерьера в африканском стиле – а Африка всегда привносит в наши серые московские будни богемность парижской студии прошлого века. Картины Модильяни – это образцы изысканнейшей стилизации, так их и воспринимайте. (Фото 3)

Выставка проходит с 4 по 25 декабря по адресу: Москва, ул. Волхонка, 15.

Густав Климт (1862-1912).
В австрийском художнике Густаве Климте венская сексуальность нашла своего величайшего поэта. Ни один художник его уровня не был столь открыто привержен воспеванию Эроса, и прежде всего женщины – музы, вампира, сексуальной приманки и символа упоения. Задолго до экспрессионизма и сюрреализма Климт решился на откровенную демонстрацию сексуальности в искусстве, сделав ее лейтмотивом своего творчества. Томная, экзальтированная атмосфера фрейдистской Вены отчетливо стимулировала художника поставить женщину и эротику в центр произведения. Не удивительно, что художник стал излюбленным портретистом элегантных жительниц Вены. (Фото 1 «Золотая Адель»)

Искусство Климта словно состоит из борьбы противоположных импульсов – чувственного, исключительно натуралистического изображения человеческого тела и едва ли не маниакальной жажды к заполнению холста сияющими загадочными орнаментами. Это борьба чувствуется даже в его портретах светских женщин и в великолепных, к сожалению, недооцененных пейзажах. Интересная деталь: все картины раннего Климта рождались на свет под влиянием их будущего обрамления. То есть, сначала брат художника приносил ему раму, а потом уже создавалась картина, которая, как казалось Климту, должна была соответствовать раме.

В наиболее прославленных работах Климта, таких как «Поцелуй», чувство и декоративное богатство соединяются в непревзойденном сплаве. «Поцелуй» считается апогеем «золотого» периода художника. В нем сияющие геометрические орнаменты, кажется, готовы поглотить человеческие фигуры. Обнявшаяся пара, облаченная в мозаичные одежды, изображена на щедром абстрактном фоне из золота и серебра. Напряженность атмосферы усиливается за счет глубокого контраста между натуралистическими и декоративными деталями. Реалистически написанные лица, руки и ноги влюбленных окружены плоскостями с абстрактным рисунком. И этот рисунок соответствует фактуре ткани и цветам.(Фото 2 «Поцелуй»)

Картины Климта необычайно философичны. Щемящее полотно «Три возраста женщины» символизирует круговорот жизни. Противопоставление молодости и старости художник выразил стилистическими контрастами: с одной стороны молодая женщина со спящим ребенком на руках, с другой стороны изображенная в профиль старуха. И этот контраст между стилизованным изображением молодой женщины и страшным, натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл. Климт хочет нам показать, что первая фаза жизни несет в себе бесконечные возможности и метаморфозы, а последняя - постоянство и конфликт с реальностью. (Фото 3 «Три возраста женщины»)

Картина «Юдифь II» (как и «Юдифь» I) является воплощением архетипа роковой женщины Климта. Он создал тип женщины-вамп еще задолго до того, как Грета Гарбо и Марлен Дитрих появились на киноэкране. Его Юдифи — не библейская героиня, а скорее жительница Вены, его современница - гордая и свободная, но в то же время загадочная и чарующая. Обратите внимание на контраст между объемной пластичностью тонко выписанного и мягко окрашенного лица и двухмерной, плоскостной поверхностью орнамента. Без сомнения, Климт нашел в Юдифи обобщающий символ правосудия, которое женщина творит над мужчиной, искупающим смертью свою вину. (Фото 4 «Юдифь II»)

Соратник и друг Климта Альфред Басс писал в своем дневнике: «Когда я увидел «Саломею» Густава – я понял, что все женщины, которых я знал до сих пор, были ненастоящими. Когда я увидел его «Поцелуй» - понял, что не любил никогда по-настоящему. Когда я увидел эскиз к «Юдифи» - осознал самое страшное, что и не жил я вовсе, а если и жил, то ненастоящей жизнью».

Сейчас женские образы Г. Климта и его золотой завиток можно увидеть везде – в репродукциях, на керамических вазах и блюдах, на мебели и настенных гобеленах. И получается, что сто лет тому назад художник писал для нашего времени.

Что такое ретрофутуризм.
Прочитала в журнале заметку про музыкальный центр The Dock от датской компании Podspeakers by Scandyna и восхитилась. (Фото 1) Это же типичный ретрофутуризм! И захотелось рассказать, что это такое.

Ретрофутуризм — это направление в искусстве 1920-1960-х годов, в котором люди прошлого представляли себе светлое будущее. В эти годы футуристическая волна породила особый художественный и дизайнерский стиль: чуткие молодые сердца создателей направления воплощали в жизнь образы будущего, свои фантазии, свои смелые догадки и зачастую выдуманные технологические изыски. В результате то, что мы сейчас видим – удивительно захватывает и трогает. Как вот этот «Тучеразгонитель на паровой тяге» с карточки 1900 г. из цикла «Германия в ХХI веке». (фото 2) Стиль отражает надежды на утопическое общество высоких технологий, ему присущи необычные преувеличенные художественные приемы, конструирование новых архитектурных форм и новой одежды и – обратите внимание - подчеркнутое изобилие товаров народного потребления. Тут и летающие ранцы, и лучи-пулеметы, и роботы на улицах, автомобили обтекаемых форм у каждого и ракеты с воздушными кораблями в небе. (Фото 3)

А вспомним наш прекрасный фильм «Солярис» с его просто космическими интерьерами, где поражал в самое сердце своей внеземной красотой одноопорный столик «Тюльпан» из белого пластика (американский дизайнер Ээро Сааринен, создан в 1958 году). Только мы тогда про Сааринена не знали, поэтому интерьеры были в самом деле потрясающие. Да они и сегодня потрясающие и недосягаемые, увы. (Фото 4)

А ретрофутуризм на модных показах - это довольно оригинальное направление, навевающее воспоминания о голливудской фантастике шестидесятых годов либо об отечественных фильмах, посвященных далекому и прекрасному будущему. В итоге на подиумах появляются модели, одетые по последней моде зарубежных сериалов «Звездный путь» и блокбастера «Пятый элемент», а также отечественной классики жанра - «Москва - Кассиопея» и «Гостья из будущего». (Фото 5)

И еще. В Манеже в ноябре открылся Московский музей дизайна, первая выставка которого посвящена советскому дизайну 1950—1970-х годов. Вот там ретрофутуризма, наверное… Я, правда, не очень поняла принцип работы музея. Они планируют 5 - 6 выставок в год, в том числе и зарубежных, а вот каких - наверное, надо следить дополнительно. Но самое интересное - обещают, что появится специальный дизайн-автобус, переоборудованный мобильный выставочный зал с мультимедийной начинкой. Он будет ездить в спальные районы Москвы и другие города, как в 1920-е годы ездили агитпоезда, и рассказывать людям, что такое дизайн. Что предметный и мебельный дизайн — это не просто дорогой декор интерьера, а такая функциональная вещь, которая делает нашу жизнь легче, проще и удобнее. И это здорово.

Крепеж для супертонких телевизоров и мебель TV.
Разместить ультратонкий телевизор на стене так, чтобы при этом он сохранил свой элегантный внешний вид, непросто: обычный крепеж нарушает гармоничное восприятие изящных очертаний экрана. Компания Sanus предлагает монтажное устройство VisionMount VLL10 Super Slim. Оно помогает установить ультратонкие ЖК- телевизоры и плазменные панели с диагональю экрана 32-70 дюймов и массой до 58 кг на расстоянии всего 1,7 см от стены.

Регулируемое устройство П-образной формы выполнено из экструдированных алюминиевых профилей. Телевизор прикрепляют винтами, входящими в комплект поставки, к вертикальным профилям. Вместе с ними его можно сдвигать в стороны по горизонтальному "рельсу", чтобы выбрать наилучшее положение, в котором прибор блокируют, используя специальные фиксаторы. Разблокировать их нетрудно - нужно лишь потянуть за "петли", спрятанные внутри вертикальных профилей. Чтобы подключить кабели, прибор "откидывают" от стены, открывая легкий доступ к разъемам.

А вообще, крепление на стене телевизоров – это целая индустрия. Как никто в этом преуспели итальянцы. Компания Vismara Design раньше занималась мебелью, а теперь переключилась на аксесуары для TV. Эта компания предлагает не только актуальный дизайн, но и современные технологии, материалы и продуманные конструкции в стиле сдержанного ар деко и пышного барокко. Тут и полки, и столики, и системы хранения, и вазоны, и зеркала того же обрамления. Материалы – кожа, серебряная и золотая фольга. Дорого, конечно, стоит, но зато это такое украшение интерьера, которое не потребует уже больше никакого дизайна. Оно само дизайн – все остальное в помещении должно гармонично дополнять такую мебель.

Необычный отель.
Германия среди всего прочего знаменита пивом. Поэтому нет ничего удивительного, что гости страны с удовольствием воспринимают все, что связано с этим напитком, и пивной антураж становится хорошим привлечением туристов. Гостиница Landhotel Beverland, что в местечке Остбеверн, не осталась безучастной к пивной тематике, и в нескольких своих номерах устроила спальные места в вековых пивных бочках.

Бочки предоставила пивоварня Pott’s. С XIX века и до 1995 года в них выдерживали и перевозили этот напиток, а теперь несколько бочек превратились в спальные места. В них только сделали вырез, приделали перегородку, ставшую ложем, и снабдили постельными принадлежностями. Такими двуспальными кроватями в отеле оборудовали 3 комнаты. Впрочем, если гостям не понравится диогеновский спальник, в этих номерах есть еще по две обычные кровати.

Номер в пивном стиле в Landhotel Beverland обойдется в 3979 руб. в сутки без завтрака. Помимо креативной кровати в комнате есть все, что положено современной гостинице. Дополнительно сродниться с пивными бочками отель предлагает и в сауне. Одну бывшую пивную бочку переделали под парную. Цена на это удовольствие в открытых источниках не указывается, но отель отмечает, что по возвращении в номер распаренных гостей будут ждать кружки холодного пива.

Кое-что о радиаторах.
В доме должно быть комфортно, тепло и уютно – это все знают. Привычные радиаторы почти всегда не вписываются в интерьер и не украшают его – это тоже все знают, но к этому «злу» уже все привыкли и никто не обращает на него внимания. Надеются, что радиатор не будет видно за занавеской или что он потом закроется экраном. Эстеты - покупают эксклюзивный чугунный вариант по принципу – «если нельзя спрятать, тогда надо украсить». (Фото 1) Только такой радиатор не подходит современным стилям.

И вот компания "Специальные системы и технологии", российский производитель отопительного электрооборудования, выпустила бытовой нагреватель, успешно сочетающий эстетику и функциональность, - стеклянный дизайн-радиатор "Теплолюкс Flora". Это экологичные отопительные приборы, которые работают на электричестве, создают комфортную температуру и не сушат воздух в помещении. Теплоизоляционный слой в конструкции нагревательной панели способствует равномерному распределению потока тепла. Экономное потребление электроэнергии и степень защиты IP44 делают дизайн-радиатор надежным и безопасным. Модельный ряд "Теплолюкс Flora" - это десять вариантов исполнения: нагревательная панель размером 60x60 или 60x90 см и пять цветовых решений: зеленый, изумрудный, красный, коричневый и черный. Мощность приборов 160 и 260 Вт. От себя добавлю: Черный (или красный) стеклянный квадрат на стене – это круто… Ничего никому не напоминает? (Фото 2)

Но есть дизайн-«батареи» еще и водяные, вот их как раз и в хайтек, и в минимализм и в наше любимое ар деко великолепно было бы вставить. Называются Lully (Лулли), Россия. Лицевые панели – из стали, из закаленного стекла, из искусственного камня. (Фото 3)

И, конечно, всех в этом вопросе переплюнули итальянцы. Фирма Hotech занимается производством радиатором и полотенцесушителей. Экспериментируя с разными материалами и новыми технологиями, фирма создала ряд моделей, которые значительно отличаются от подобной продукции. (Фото 4) И что говорить – вот уж дизайн, так дизайн, даже больше авангардная скульптура.

Кухонная посуда.
Из глубины веков до нас дошли кубки, блюда, тарелки, изготовленные из серебра и золота, и некоторые из них до сих пор поражают воображение изысканностью и тонкостью отделки. А вот кухонная посуда, как терпеливая Золушка, тысячи лет ждала своего звездного часа, чтобы по праву стать прекрасной принцессой на балу у домашнего очага.
В последние лет двадцать жизни нашего общества мы узнали о существовании таких понятий, как "стиль" и "качество жизни". К их проявлениям можно смело отнести и кухонную посуду, например, кастрюли и сковороды, ведь на открытых пространствах наших теперешних кухонь они являются самыми мощными носителями современного дизайна.
Словно бы специально для иллюстрации этого заявления компания Vitesse выпустила яркую новинку - кастрюлю необычной формы. Она выполнена в виде тыквы и имеет натуральный оранжевый цвет. Кастрюля объемом 2,7 л не только радует глаз и создает теплую атмосферу на кухне, но и сочетает в себе уникальные теплопроводные свойства чугуна и преимущества эмалированного покрытия, не позволяющего кастрюле ржаветь и обеспечивающего легкость в мытье и уходе. Пища, приготовленная в такой посуде, имеет свой неповторимый вкус. Литой чугун нагревается по всему объему и долго хранит тепло. Это по-особому влияет на вкусовые свойства блюда. Кастрюля может использоваться на всех типах плит, (в том числе и на индукционных!!!!), а также в духовом шкафу. Идеально подходит для тушения и томления. А еще она просто украшение интерьера.

Все на выставку!

В Третьяковской галерее проходит выставка странного современного искусства: там повесили коврики с оленями и богатырями. А название выставки - «Украшение красивого. Элитарность и китч в современном искусстве». Создатели проекта пытались разобраться, что в разные годы считалось авангардом, а что относилось к категории «безвкусного». У выставки 8 тематических разделов, и она охватывает период с 1920 дога до наших дней.

Правда, уже появились публикации, что выставка не удалась, что затея превратилась в сплошной стеб и передергивание наивного творчества советских людей… Что коврики, открытки, плакаты, фотографии красавиц, фотообои и резьба явно выигрывают по сравнению с отобранным для выставки современным искусством… Что материалы подобрано случайно по типу монтажа и остроумно придуманных лозунгов: «Артисты искусства», «Любимый образ», «Назад в природу»… Что Третьяковка превратила современное искусство в бессмысленный аттракцион пошлейшего креатива и украшательства…

Если верить Википедии, то китч произошел от немецкого слова Kitsch — халтура, безвкусица, «дешевка». Термин обозначает одно из явлений массовой культуры, это синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности и крикливости внешнего облика. Особое распространение получил в различных формах типового бытового украшательства. Китч, как правило, рождается от чрезмерного богатства или, наоборот, от вопиющей бедности, но в любом случае – это стремление проявить свою неординарность.

Помимо этого есть еще китч – как стиль в искусстве. Это когда дизайнеры, иногда очень даже известные, специально создают вещи-отрицания, шедевры-пародии и произведения-насмешки.

Так что – все на выставку. Она продлится до 3 марта. Охота на коврики посмотреть: где их еще увидишь.

Мебель фабрики Carpanelli – антиквариат из будущего.
Я считаю, что говорить о том, интересен или нет дизайн определенного интерьера можно только тогда, когда сам интерьер имеет образ – милый, лиричный, возвышенный, величественный, помпезный, уютный или даже фантастический. Огромную роль здесь играет мебель – ведь на нее в первую очередь обращаешь внимание. Ну и, конечно, еще на светильники, обои, занавески, напольные покрытия. Но я сегодня хочу поговорить о мебели.

Начало работы мебельной фабрики Carpanelli (Карпанелли) приходится на 1919 год, на время проявления особого интереса публики к стилю ар-деко. И по сей день заметно влияние этого стиля и в геометрии декора, и в роскоши материалов производимой мебели, но все же в работе мастеров фабрики нет прямого копирования концепции ар-деко. Каждый выпущенный здесь предмет мебери является авторским произведением дизайнерского искусства.

Дизайнеры фабрики черпают свои идеи из природы, поэтому в своих проектах они делают основной упор на особенности каждой породы дерева, на его пластичность, на его природные свойства. Ведь дерево – это живой материал, который позволяет любому предмету стать уникальным из-за неповторимого рисунка структуры древесины, которую мастера тщательно подбирают. А иногда мебельный предмет от Carpanelli повторяет в открытую природную форму и даже напоминает лист дерева. (Фото 1)

Работы фабрики Carpanelli получили заслуженное признание во всем мире, не только благодаря уникальному дизайну, но и из-за своих изысканных инкрустаций с использованием разных пород дерева: черного дерева, вяза, черешни, ореха, вереска. Причем для дополнительного тонирования деревянных пластинок применяется их ручной обжиг в раскаленном песке. Это «фирменная» технология фабрики, ее визитная карточка. Главный дизайнер фабрики Леопольдо Карпанелли, который положил в основу своей работы семейные традиции, называет свою мебель «антиквариатом будущего». Антиквариат – потому что традиции обработки древесины уходят своими корнями в глубокую старину, но по форме эта мебель - высокий авангард будущего. И даже один предмет от Carpanelli делает интерьер неординарным. (Фото 2)

Как я была на выставке.
Вчера была на выставке «Украшение красивого». (Кстати, она находится в филиале Третьяковки, что на Крымском валу.) Выставка потрясла меня – давно я так не веселилась. Экспозиция просто умилительная, я хохотала, как дитя, и все время спрашивала себя: «Неужели это все писалось на полном серьезе? Или авторы стебались? Или были пьяные в дым?»

Все эти олени с человеческими лицами, икона деда Мороза с настоящими пластиковыми цветами (фото 4), тройка с охотниками на привале (фото 3)… А вот «Мещане на курорте». (фото 5) Это же прелесть, прелесть! Через пять минут я уже не стала различать, где здесь китч, а где авангард. Все смешалось в голове.

Потом попыталась ориентироваться по технике. Если написано «Холст, масло» - то, скорее всего, это авангард, решила я, а вот если что-нибудь на клеенке – то китч. Но потом пошел явный китч на холсте. Ничего не понимаю! Вот мой любимый Кустодиев со своей толстенной купчихой, сидящей нагишом на лежанке в каком-то закутке, где все расписано аляпистыми хохломскими цветами… Да это же китч чистейшей воды! А я его так любила… Или все же про выставку правильно написали, что современное искусство представлено на ней как-то странно?

Только потом я поняла, как надо все это различать. Сейчас поделюсь секретом… Если хочется повесить произведение на стенку в квартире – то это «авангардное искусство» или просто «искусство». А если не хочется и делается смешно – то это китч. Потому что китч – искусство не интерьерное. Смотреть и смеяться – можно, а на стенку у себя ни за что не повесишь, хоть убей.

Хотя кто его знает, люди такие все разные… А на фото 1 и фото 2 – «Боевой славянский петух».

Как я была на выставке.
Вчера была на выставке «Украшение красивого». (Кстати, она находится в филиале Третьяковки, что на Крымском валу.) Выставка потрясла меня – давно я так не веселилась. Экспозиция просто умилительная, я хохотала, как дитя, и все время спрашивала себя: «Неужели это все писалось на полном серьезе? Или авторы стебались? Или были пьяные в дым?»

Все эти олени с человеческими лицами, икона деда Мороза с настоящими пластиковыми цветами (фото 4), тройка с охотниками на привале (фото 3)… А вот «Мещане на курорте». (фото 5) Это же прелесть, прелесть! Через пять минут я уже не стала различать, где здесь китч, а где авангард. Все смешалось в голове.

Потом попыталась ориентироваться по технике. Если написано «Холст, масло» - то, скорее всего, это авангард, решила я, а вот если что-нибудь на клеенке – то китч. Но потом пошел явный китч на холсте. Ничего не понимаю! Вот мой любимый Кустодиев со своей толстенной купчихой, сидящей нагишом на лежанке в каком-то закутке, где все расписано аляпистыми хохломскими цветами… Да это же китч чистейшей воды! А я его так любила… Или все же про выставку правильно написали, что современное искусство представлено на ней как-то странно?

Только потом я поняла, как надо все это различать. Сейчас поделюсь секретом… Если хочется повесить произведение на стенку в квартире – то это «авангардное искусство» или просто «искусство». А если не хочется и делается смешно – то это китч. Потому что китч – искусство не интерьерное. Смотреть и смеяться – можно, а на стенку у себя ни за что не повесишь, хоть убей.

Хотя кто его знает, люди такие все разные… А на фото 1 и фото 2 – «Боевой славянский петух».

Совсем не про дизайн, но очень интересно.
Мой любимый журнал «Русский репортер» №8 порадовал своих читателей (а особенно читательниц) ну очень интересной заметкой. Копирую полностью, извините, потому что называется она «Пенис, интеллект и богатство» (авт. Григорий Тарасевич).

«И ученых, и простых граждан всегда интересовали размеры мужских половых органов. Только обыватель подходит к этому вопросу эгоистично: «У меня длиннее, чем у других?», а наука рассматривает данную проблему глобально — в масштабе стран и народов. Ученые пытаются понять, с чем связано неравенство в размерах пениса в разных частях света.

Медицинская статистика способна залезть даже в самые интимные зоны человеческого бытия. Составители World Penis Average Size Studies Database ухитрились собрать данные о длине мужского полового органа почти во всех странах мира. Понятно, что речь идет об усредненных показателях, ведь в одной и той же популяции могут быть как карлики, так и гиганты.
Лидерство в этом рейтинге принадлежит Демократической Республике Конго. Там средняя длина мужского достоинства составляет почти 18 сантиметров. На другом конце списка Южная Корея — тамошние мужчины недотягивают даже до 10 сантиметров. Разница почти в два раза. Россия в этом списке находится чуть ниже середины — 13,21 сантиметра. Немного обидно, но у жителей США еще меньше — 12,90 сантиметра.
На карте усредненных пенисов видны явные региональные особенности. У африканцев, живущих южнее Сахары, они самые длинные и толстые. У латиноамериканцев чуть поменьше, но тоже вполне убедительные. Европейцы в этом отношении неодинаковы, но до крайних значений ни в одной стране не доходит. Самые маленькие органы у жителей Восточной Азии: корейцев, японцев, вьетнамцев, камбоджийцев и др.

Измерять чужие члены, конечно, увлекательно. Но для ученых гораздо интереснее понять, с чем связаны такие вариации в размерах, на что она влияет и что влияет на нее. Недавно в журнале Personality and Individual Differences была опубликована статья Ричарда Линна из Университета Ольстера в Северной Ирландии. Он пытается вывести различия пенисов из законов эволюционной биологии, для чего обращается к теории r-K-отбора. Стратегия «r» подразумевает, что животное стремится иметь максимум потомства и при этом не тратит много ресурсов на выживание и безопасность. «К», наоборот, предполагает, что животное рожает не очень много детей, но зато вкладывается в их содержание. С этой точки зрения большой пенис нужен приверженцам стратегии «r», а маленький — «К».

Вообще Ричард Линн знаменит своими работами по сравнению коэффициента интеллекта (IQ) у разных народов. По сути, его позиция отдает расизмом. Правда, из его расчетов вытекает, что самая интеллектуальная раса — это монголоиды (китайцы, японцы, корейцы). Уровень IQ европеоидов на 5–15 пунктов ниже. Негры, соответственно, еще менее интеллектуальны. Тут явно заметна обратная корреляция между размерами пениса и показателями IQ. Линн связывает эту закономерность с географией. Северным народам нужно было больше кооперироваться, им требовалось больше интеллекта для организации жизни. Маленький член компенсировался более развитым умом.

Есть и более изысканные теории. Например, Тату Уэстлинг из Центра экономических исследований Хельсинки попытался увязать длину пенисов с экономическим развитием. Его расчеты показали, что мужские параметры объясняют до 15–20% роста ВВП (почему так происходит, финский ученый сказать не решается). Зависимость такая: в странах с наиболее успешной экономикой размеры пениса средние. Если же очень большие или маленькие, то страна довольно бедная. Эта закономерность хорошо работает при сравнении европейских стран с африканскими и некоторыми азиатскими (Камбоджа, Вьетнам, Бангладеш, Индия и другие). Соответствует она и реалиям Латинской Америки: там ВВП умеренно ниже, чем в США и Европе, а пенисы умеренно длинней. Выбиваются из этого правила Гонконг, Япония, Сингапур и Южная Корея: там очень маленькие члены и очень высокий ВВП.
Увы, современная наука пока не в состоянии дать исчерпывающий ответ на вопрос о роли пенисов в геополитике, национальной психологии и экономике. Но исследования продолжаются.»

Секреты экономии при покупке кухонной мебели.
1. Чем проще конструкция кухонных модулей, тем дешевле будет стоить весь комплект. За радиусные элементы вы заплатите приблизительно в два раза больше, чем за прямые.
2. Выгоднее заказать один модуль шириной 90 см, чем два аналогичных по 45 см.
3. Выдвижные ящики, поворотные и выездные элементы удорожают кухню. Однако отказаться от них полностью означает лишить себя каждодневного удобства. Закажите одну тумбу с полновыдвижными ящиками, оборудованными доводчиками и амортизаторами и оснащенными системами организации, - стоимость кухни вырастет незначительно, приблизительно на 10 %. Добавьте к этому в зоне готовки выездную кассетницу-бутылочницу шириной 15 см, которая стоит всего 1,5-2 тыс. руб. (фото Кухня)
4. Верхние навесные шкафы с распашным открыванием дешевле, чем шкафы с дверками, откидывающимися вверх. Стоимость верхних шкафов прямо пропорциональна их высоте: чем выше шкаф, тем выше и его цена.
5. Фасады в алюминиевой раме или со стеклянными витражами дороже глухих фронтов из экономичных материалов.
6. Столешницы из искусственного и натурального камня в разы дороже, чем столешницы, выполненные из ламинированного ДСП.
7. Экономия на фурнитуре заведомо уменьшает срок службы мебели и комфорт пользования. Высококлассную фурнитуру и "начинку" для кухонь производят в Европе: Blum, Hailo, Hettich, Grass, Kessebohmer, Salice, Vauth-Sagel, Vibо и др. Комплектующие этих марок используют все европейские и ведущие российские производители.

Восточные мотивы Ex Oriente Lux.
Давно замечено, что вещи из разных культур подчеркивают красоту друг друга. Восточные мотивы так прочно вошли в современный дизайн, что иной раз даже не опознаются как таковые: вещи с ориентальным акцентом не теряют актуальности уже несколько столетий. Слово ориентальный [лат. orient?lis] – означает «восточный», т.е. свойственный странам Востока. (Противоположное значение: «оксидентальный»). И ориентальным называют теперь искусство стран и Дальнего, и Ближнего Востока.

В XVIII веке культурное открытие китайского Востока породило целое течение в искусстве, вошедшее в историю под именем «шинуазри», а в наши дни теплое влияние Индии, пряная экзотика Китая и аскетичная роскошь Японии дали пищу воображению современных дизайнеров. Европейский дизайн ассимилировал лаконичные формы, натуральные материалы и выверенные пропорции восточных вещей, но дал им свежую трактовку.
С ориентальным искусством стран мусульманского Востока Европа познакомилась гораздо раньше. И тут даже трудно сказать, кто у кого «взял» больше, как теперь говорят, дизайнерских приемов. Культурные и торговые связи европейских стран с мусульманским Востоком были нерасторжимыми – это и ткани, и ковры, и благовония, и ювелирные украшения из драгоценных камней и металлов, и оружие, и мебель, и посуда. И, в частности, мозаика. (фото 1)
Уникальная коллекция Ex oriente lux возвращает нас к тканям, ароматам и цветам, драгоценностям, которые купцы переправляли с востока на запад в Средние века. Это путешествие в мир красоты, мозаика как предмет искусства. Само название коллекции Ex oriente lux непростое – это парафраз евангельского повествования о пришествии волхвов, увидевших звезду на востоке. Ex oriente lux – с латинского «экс ориэнтэ лукс» переводится как «с Востока (идет) свет». И посмотрите на фото современной гостиной: цвет ориентальной мозаики почти монохромный, и как она прекрасно микшируется с кирпичной кладкой над диваном минималистских форм. (фото 2) Но я думаю, что если в этот интерьер добавить больше яркого восточного цвета, то это его тоже не испортит. Вот как в ванной на фото 3.

Стиральная мини-машина.
Эта заметка меня очень порадовала – мне, при поиске оптимальных планировочных решений, всегда хочется сэкономить площадь моих заказчиков. А тут, посмотрите: такое чудо.
А новость вот в чем. Южнокорейская компания Daewoo Electronics представила первую в мире настенную стиральную мини-машину DWD-CV701PC. Производители обещают, что она справится со стиркой любых вещей, экономно расходуя энергию (класс энергоэффективности - А). Эта уникальная машина не займет полезное пространство в доме: ее можно подвесить на стене в ванной комнате, кухне или даже кладовой на любой удобной для загрузки вещей высоте. Эту компактную машину с фронтальной загрузкой легко разместить в любом помещении с монолитными или кирпичными стенами без пустот. (фото)
Ширина новинки составляет всего 29 см, а масса - 16,5 кг, при этом барабан рассчитан на 3 кг белья. Режим быстрой стирки (всего 29 мин) позволяет получить превосходный результат при минимальных затратах времени, электроэнергии и воды (36 л/цикл).
Уровень шума и вибраций во время стирки остается на низком уровне. Бесщеточный, инверторный мотор с низким уровнем шума и 4-х слойная анти вибрационная прокладка обеспечивают тихую работу стиральной машины. Для более эффективной стирки рекомендован режим при температуре около 80°C. Для разного типа белья предлагаются следующие режимы: "Холодная вода", "Хлопок", "Деликатная стирка", "Детская одежда", "Отжим" (максимально 700 об/мин), "Полоскание +". Мини-машина обеспечивает деликатную стирку любых видов тканей и не портит вещи благодаря специальному сотовому покрытию барабана. Отдельного внимания заслуживает изящный кубический дизайн модели, которую украшает передняя серебристая панель.(фото 1)
Интересно, кто-нибудь уже купил подобное чудо? Отзовитесь! Как впечатления?